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슬로우 블루스 록 – 릴렉스 블루스 기타와 피아노 음악 | Smooth Blues
https://youtu.be/oo9LBRrXojs
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코드톤 연습하기(블루스) – Easy Jazz Guitar
코드톤을 블루스에 맞춰 연습하기. … 코드톤 연습하기(블루스). 재즈 기타. 2020.04.24 2020.03.03. 이젠 본격 적으로 … 블루스는 12마디로 이루어진 곡이고.
Source: easyjazz.co.kr
Date Published: 3/30/2021
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재즈 기타 레슨 – F 블루스(F Blues) – 네이버 블로그 – NAVER
재즈 기타 레슨 이번시간은. F Blues 입니다. 영상에 있는 타브악보를 참조하면서 연습해 보세요. 재즈기타 레슨 문의는 위의 메일주소로 연락주세요.
Source: m.blog.naver.com
Date Published: 9/11/2022
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어떤 장르를 연주해도 블루스가 되었던 재즈 기타리스트, 그랜트 …
2016년 할렘 필름 페스티벌에서 특별 상영된 는, 아들이 40여 년 전 사망한 재즈 기타리스트 아버지의 행적을 좇은 다큐멘터리다.
Source: www.indiepost.co.kr
Date Published: 4/4/2021
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Tag Archives: jazz blues guitar lesson – Jens Larsen
A great phrasing technique for getting a blues sound in Jazz is using grace notes. In Jazz, that is the way we simulate string bends. When Jazz was invented …
Source: jenslarsen.nl
Date Published: 12/18/2021
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Jazz Blues Guitar Licks & Solos
Jazz Blues Guitar Licks And Solos · F Jazz Blues · Bb Jazz Blues Solo · Jazz Blues Lick 1 – Mixolydian Mode · Jazz Blues Lick 2 – Bebop Scale · Jazz Blues Lick 3 – …
Source: www.jazzguitar.be
Date Published: 1/18/2021
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주제에 대한 기사 평가 재즈 블루스 기타
- Author: Whiskey Blues
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- Date Published: 최초 공개: 2021. 7. 8.
- Video Url link: https://www.youtube.com/watch?v=oo9LBRrXojs
어떤 장르를 연주해도 블루스가 되었던 재즈 기타리스트, 그랜트 그린
올해 사후 40년이 된 그랜트 그린(Grant Green, 1935~1979)은 블루노트 레코드사의 스태프 기타리스트로 활동하며, 자신의 이름으로 낸 30여 장을 포함, 백 여장의 앨범 녹음에 참여한 재즈 기타리스트였다. 동시대의 웨스 몽고메리나 조지 벤슨과 같이 정상의 인기를 누리진 못했으나, 조지 벤슨이 가장 좋아하던 기타리스트로 그를 꼽았을 정도로 동료 뮤지션들의 인정을 받았다. 그가 사망한 지 10여 년이 지나 힙합 프로듀서들이 그의 펑키한 소울 음악을 경쟁적으로 샘플링하면서 본격적으로 재조명되기 시작했다. 생전에 빛을 보지 못한 미발표곡들이 속속 출반되었고, 바이닐 음반은 한때 품귀 현상이 빚어지기도 했다. 힙합으로 샘플링된 곡 중 가장 유명한 것은 US3의 ‘Tukka Yoot’s Riddim’ 인데, 그의 오리지널 ‘Sookie Sookie’과 비교해서 들어보자.
그랜트 그린의 오리지널 ‘Sookie Sookie’
US3의 ‘Tukka Yoot’s Riddim’
43년의 길지 않은 일생은 그리 순탄치 않았다. 누구보다 바쁘게 살면서도 큰돈을 벌지 못했고 그마저도 마약을 구입하느라 항상 쪼들렸다. 자식을 여섯이나 두었지만 객지에서 따로 살아야 했고, 장르를 불문하고 돈 되는 일을 가리지 않다 보니 지나치게 상업적이란 비난이 따라 다녔다. 그가 사망하기 직전 의사의 경고를 무시한채 캘리포니아 공연 일정을 위해 자동차로 직접 운전하여 미대륙을 횡단한 일화는 유명하다.
블루스가 깊게 묻어나는 기타리스트
아버지와 삼촌에게 어릴 때부터 블루스를 듣고 배운 덕분에 그의 음악에는 자연스럽게 블루스가 배어 나온다. 재즈를 연주하거나 팝, 또는 클래식을 연주해도 블루스가 들린다고 한다. 다른 재즈 기타리스트와 달리 복잡한 코드를 짚지 않고, 피크로 단음을 물 흐르듯이 친다. 고향인 세인트루이스 지역에서 실력파 기타리스트로 이름을 날렸으며, 그의 연주를 들어본 색소포니스트 루 도널드슨(Lou Donaldson)의 소개로 뉴욕에 진출하여 블루노트 레이블에 고용된다. 그의 나이 24세 때의 일이다.
앨범
(1971)에 수록한 ‘Maybe Tomorrow’. 훗날 켄드릭 라마가 힙합 음악으로 샘플링했다 켄드릭 라마의 샘플링 버전 ‘Sing About Me, I’m Dying of Thirst’(2012)
재즈 역사상 손꼽히는 명연주 ‘Idle Moments’
그의 가장 유명한 연주곡은 앨범
(1964)의 타이틀곡이다. 15분에 이르는 긴 곡으로, 녹음에 함께 참여한 피아니스트 듀크 피어슨(Duke Pearson) 이 작곡했다. 제목의 의미대로 나른한 오후에 게으름 피우면서 느긋하게 듣기에 좋은 곡이다. 원래부터 느린 곡조인 데다 솔로로 나선 연주자들이 당초 약속보다 한 소절씩 더 연주하며 길어졌으나 마스터 테이크로 앨범에 수록되었다. 조 헨더슨(Joe Henderson)의 색소폰, 바비 허처슨(Bobby Hutcherson)의 비브라폰 등 당시 블루노트를 대표하던 콤보 구성이 돋보인다. 앨범
의 타이틀곡 정통 재즈에서 상업성으로의 일탈
그는 바쁘게 일했으나 돈은 모이지 않고 오히려 만 늘어났다. 고향에 두고 온 처자식과 같이 살기 위해 돈 되는 공연과 레코딩은 거절하지 않았다. 그의 마약 습관에 따른 문제도 있었지만, 당시 재즈 작곡으로 저작권료를 거둘 수 없는 상황에 불만이 많았다. 소속사인 블루노트를 떠나 ‘버브(Verve)’로 잠시 이적도 해보았으나 크게 나아지지 않았다. 상업적이라는 평론가들의 비난에도 불구하고, 점차 라디오에 자주 노출되는 펑크와 소울 음악을 시도했다. 그러자 수입도 늘어나면서 35세가 되던 해 디트로이트에 집을 마련하며 처음으로 식구들과 함께 살 수 있었다. 당시 인터뷰에서 “먼저 사업가가 되어야 하고 아티스트는 부수적이다. 사람들이 싫어하는 음악을 하면서 이 바닥에서 살아남을 수 없다.”라며 심정을 토로했다.
프랑스에서 케니 버렐, 바니 케셀과 함께한 기타 트리오 실황(1969)
아들이 찾아 나선 아버지의 생애
그의 생애 마지막 모습에는 극적인 이야기가 전해진다. 30대 후반부터 심장에 이상이 왔고 수술을 권하는 의사의 경고를 듣지 않았다. 캘리포니아에서의 공연을 위해 동부에서 서부로 자신의 차를 몰고 미대륙 횡단 여행을 강행했고, 다시 동부 뉴욕의 할렘 공연을 위해 자동차로 돌아오던 중 심장마비가 찾아온 것이다. 뉴욕 할렘 병원으로 급히 가던 도중 차 안에서 사망했을 때 그의 나이는 고작 43세였다. 그는 여섯 명의 아이를 두었으나 로드 뮤지션의 처지로 자식들과 많은 시간을 같이 보낼 수 없었다. 장성한 둘째 아들 Grant Green, Jr.이 아버지의 생애를 담담하게 재조명한 다큐멘터리
(2015)를 제작하였다. 유튜브에서 세 편의 파일로 나뉘어 업로드되어 있고, 영어 자막으로 감상할 수 있다.
예고편 그랜트 그린이 생전에 그토록 염원하던 부와 명성은 사후에야 찾아왔다. 10여 년이 지난 1990년대 음반사 창고에 묵혀둔 미발매곡들이 수십장이나 출반되었다. 1964년에 출반된 그의 명반
는 30년이 지난 1994년 <롤링 스톤> 지의 얼터너티브 차트 9위에 랭크되는 기현상을 연출하기도 했다. 그가 40년 늦게 태어났다면 음악적으로 대성공을 거둔 아티스트나 프로듀서가 되었을지도 모른다.
jazz blues guitar lesson
A few years ago I was teaching a student and in the lesson, we were talking about Jazz Blues comping. He was frustrated with his own playing and said that he could not get it to sound right. Explaining that he wanted it to sound like my comping, but that I was using way too many chords and playing very complicated stuff.
To me, that was a bit surprising, because I was trying to demonstrate comping by keeping it simple and while we talked about it I started to realize that you could look at what I was playing as being a simple approach, but it could seem very feel complicated approach, and what really needed to change was the way you think about it.
Getting The Learning Process Right
When you are learning something new then the information can seem overwhelming but often this is also because you don’t have a way to organize what you are learning, and that means that you have to remember a lot of isolated bits of information when really this is about seeing how the pieces fit together as a whole. When it comes to Jazz Chords then, with a bit of practice, you can lean back and play and think about how it sounds instead of trying to figure out how to add a chromatic passing chord to the II chord of the secondary dominant that is added before going to II, because you are really just sliding into a chord.
So, in this video, I want to teach you that same lesson using a basic Jazz Blues, and also show you how to keep it simple and get it to sound right. I also want to show you how crazy it gets if you over-analyze because I think that is both funny and a good demonstration of how NOT to try to use music theory, something that so many get very wrong and that really gets in the way.
Start With Easy Chords
The first thing I told the student to do was to take a Blues in C and then dial all the chords back to 3rd and 7th. I had already taught him the basic shell-voicings and actually also some more complicated chords. That will give you this:
You ALWAYS want to be able to take the chords back to their most simple form and then build it up from there, as you will see this incredibly powerful.
This was close to how I was demonstrating comping the blues, but I was embellishing it a bit with some passing chords, doing things like this:
Here I am about using some approach chords and sliding into the chord, nothing that I consider too complicated. In my head, I am mostly thinking about the basic version of the chords:
But you can (over) analyze this and then it becomes this:
But that is certainly not what I am thinking, that seems way too complicated, and I think that is important to be aware of that because I am really just moving up or down a half-step and then back to the main chord. When I play I am using that to create some movement while still playing the chords in a way that you can hear the song and the harmony. You have to remember that the goal is to play the song and make that interesting in some way.
Nobody thinks complicated stuff when they play, by the time you play then it is a sound, it is something you are familiar with and it is certainly not you solving mathematical equations while trying to comp a blues. Nobody has time for that.
The Real Bonus
In this case, I am just using the 2-note chords, so I move around a bit more, and you want to explore doing that a bit, but the biggest bonus from simplifying and tying everything you play to a simple voicing is something like this, where I still just tie it all back to those original 2-note voicings:
What you see here is that I am still thinking from the basic 2-note chords, but I am using other melody notes not just moving the entire chord around.
So I showed the student how the C7 can be expanded into this:
and for the F7 you have this:
And the trick is just to think of it like a scale version of the chord, material that you can use to improvise while comping.
So a phrase like this:
Is not me thinking all these chords:
Because if you are comping and making music with the chords then it is more compact and efficient to think of it as this chord with this melody added
Because that way you can improvise with it and you are not drowning yourself with information and different chords when there is really only one chord in the song. (show C blues)
There are not 15 different chords at that point in the song, it is just a C7 or an F7.
This is also why I very often just write the basic chord quality no matter what extensions are in the chord, because That is the important information, and if I was comping the song then I am very likely to play something else in the next chorus.
How You Work Practice This
For this to work you need to have your basic shell-voicings and or 2-note voicings down and be able to play them through the song, then you want to sit down and go through the chords exploring some options for melody notes.
Keep it practical: So easy to play and easy to use, don’t worry about skipping some notes, you don’t need to play entire scales like this.
Work a bit on making melodies with each chord and then start using it while comping in a comfortable tempo.
You can even ease into it by only adding a few melody notes in the beginning, 2 or 3 options are already a lot for comping.
Let’s take a look at how to develop some melodies and what to listen for.
Where It Gets Really Great!
Like this, you have a lot of melody notes that fit on the chord, and you can probably hear the harmony in them, so if you want to get better at playing phrases with them then you can take one of the chords and then first just come up with a melody
and then add the chord under it:
Since this is comping and not a chord solo then it pays off to hold back a bit and not play too busy melodies.
Try to think about the rhythm, make sure to use repeated notes since that is a great way to lock in with the groove and even though you have a lot of options then it is good to remember that in comping less is more.
Another thing that works well for comping is to repeat things, when you do that in a solo then it is referred to as motivic development, but in comping that is often called a riff, and having a repeated pattern is also a solid way to glue the whole song together and it is often very nice for the soloist to play on a very stable background like that.
Wes and I Are Checking Out The Same Things
I often imagine some big band phrases that will get you on the right track. Recently I discovered that Wes also did this if you listen to his “shout chorus” on the blues “The Thumb”
And Wes learned this from playing and listening to big bands, so checking out some Count Basie to get some ideas on how to play great rhythms and melodies is not the worst idea ever.
All The Pieces Together
With more melodies notes you can still add all the tricks of sliding into the chord to add some chromatic movement and in that way get something that sounds like this:
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